От ренессансных картин и фресок до знаковых символов современной итальянской истории пройдите через шедевры постоянных художественных коллекций Милана. Город является домом для знаменитых работ Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Каналетто, Караваджо, Франческо Хейеса и Умберто Боччиони и других.
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи (1498 г.) в Кьесе Санта-Мария-делла-Грацие
«Последняя вечеринка» Леонардо да Винчи - одна из самых известных работ в мире. Настенная живопись находится в трапезной объекта всемирного наследия ЮНЕСКО - Кьеза-Санта-Мария-делла-Грацие. Он изображает момент из Евангелия по святому Иоанну, когда Иисус открывает ученикам, что один из них предаст его. Картина чутко иллюстрирует атмосферу спекуляции и интриги. Каждое из выражений апостола отличается: Бартоломью, Джеймс Меньше и Эндрю все кажутся шокированными объявлением Христа; Питер кажется сердитым, Джон слабый, и у Иуды лицо в тени. В типичных иллюстрациях библейской сцены Иуда будет показан отдельно от группы, но да Винчи помещает его в группу, но без света Христа на него. С другой стороны - беспокойное трио Томас, Джеймс Великий и Филипп. Матфей, Таддеус и Симон составляют последние три, которые ищут объяснения. Способность Леонардо изображать такие сильные эмоции частично объясняется тем, почему эта работа отмечается. Другая причина - тщательное использование точки зрения, что приводит к тому, что каждый элемент картины направляет взгляд зрителя на Христа. Достигнутый уровень натурализма также был новаторским. Вместо того, чтобы использовать типичный метод фрески, где температура добавляется к влажной штукатурке (заставляя художника работать очень быстро, прежде чем он сохнет), ди Винчи наложил темпуру на сухую штукатурку. Этот метод дал художнику больше времени и привел к настенной росписи с замечательным уровнем детализации, светом и тенью. К сожалению, это означает, что работа чрезвычайно хрупкая - краска начала шелушиться уже в 1500-х годах. По этой причине посетители допускаются только каждые 15 минут с максимальной вместимостью 30 человек в любой момент времени.
Рафаэлло Санцо (Рафаэль), Брак Девы (1504 г.) в Пинакотека-ди-Брера
«Женитьба Девы» иллюстрирует непревзойденное композиционное видение и точность Рафаэля и известна как один из лучших примеров ренессансной картины итальянского Возрождения. На переднем плане холста изображена брачная сцена, но использование Рафаэлем перспективы делает храм на заднем плане истинным фокусом работы. Архитектура 16 арочного храма показывает влияние ведущего архитектора эпохи Возрождения Браманте, а также художника Пьеро делла Франчески. Каждый элемент «Брак Девы» был выполнен в соответствии с математическим порядком, и недавняя инфракрасная технология выявила плотную массу линий, сходящихся на двери храма. Эти строки следуют рекомендациям до-1500 трактата делла Франчески « Де перспектива пингенди» («О перспективах живописи»). Впоследствии уместно, что вы можете посмотреть картину Рафаэля рядом с алтарем Монтефелтро делла Франчески в Pinacoteca di Brera. Это сочетание подчеркивает общие традиции двух художников, которые начали свою практику в рамках перспективных традиций города Урбино.
Фресковый цикл (1500s) в Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore
В Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore, бенедиктинском монастыре в Милане, есть цикл фрески, настолько впечатляющий, что его прозвали «Сикстинская капелла Милана». Впечатляющий интерьер знаменует эволюцию живописи в Ломбардии на протяжении 1500-х годов, в которой участвуют Бернардино Луини и его сыновья Аурелио, Евангелиста и Джован Пьетро, Болтраффио и Симона Петерцано.
Микеланджело (ди Лодовико Буонарроти Симони), Пьета Ронданини (1564 г.) в музее Пьета Ронданини, Кастелло Сфорцеско
Пьета Ронданини - это последнее творение мастера эпохи Возрождения Микеланджело. Белая мраморная скульптура пересматривает тему о трауре Марии над изможденным телом мертвого Христа, с которым художник впервые приблизился в своей «Пиете» 1499 года. Мария держит Христа в любящих объятиях, и удлиненные фигуры, похоже, сливаются друг с другом. Резьба никогда не заканчивалась, но простота работы навечно красива.
(Микеланджело Мериси) Караваджо, Ужин в Эммаусе (1606 г.) в Пинакотека-ди-Брера
Ужин в Эммаусе (1606 год) - это адаптация предмета, который Караваджо впервые предпринял пять лет назад в одноименной картине, которая находится на виду в Национальной галерее в Лондоне. Сцена изображает библейский момент, когда воскресший Христос открывает себя двум своим ученикам. Работа является свидетельством мастерства Караваджо света, с драматическим светотенером, подчеркивающим интенсивность этого священного момента. Эта более поздняя версия, как правило, считается истинным шедевром из-за его повышенной атмосферы и большего чувства близости.
Канал Джованни Антонио, известный как Каналетто, Пир в сторону Рива-дельи Скьявони с колонной Святого Марка (до 1742 года) в Пинакотеке, Кастелло Сфорцеско
Canaletto's был виртуозом венецианской школы живописи Италии, и это изображение лагуны на площади Святого Марка в Венеции является атмосферным шедевром. Огромные детали и глубина работы прекрасно захватывают суету жизни в городе, а также играют дань великолепию памятника и дворца площади. Каналетто достиг такого уровня реализма при помощи камеры-обскуры. Площадь лагуны и площади Святого Марка была любимым предметом художника, и он написал несколько других вариантов, в том числе «Пирс к монетному двору» с колонной святого Феодора, показывающий квадрат с противоположной стороны. В Pinacoteca в Castello Sforzesco у вас есть редкая возможность просмотра двух картин рядом друг с другом. Обе работы по-прежнему находятся в позолоченных кадрах с момента их совершения в 1742. Также на виду в Милане (в Pinacoteca di Brera) находится вид Каналетто на Большой канал. Смотря на Пунта делла Догана (1740-1745).
Франческо Хейз, «Поцелуй» (1859 г.) в Пинакотека-ди-Брера
Вероятно, самая известная картина Франческо Хейеса « Поцелуй» символизирует короткий период оптимизма и чувства свободы в молодой Италии, которая возникла во Второй войне за независимость; работа была открыта на выставке Brera 1859 года вскоре после того, как Виктор Эмануэль II и Наполеон III вошли в Милан. Говорят, что страстные объятия между сильным солдатом и его честной девицей символизируют любовь к родине и стремление к жизни. Средневековая сцена является типичной для романтизма 19-го века, а роскошные цвета отражают раннее обучение Хейеса в Венеции, где цветная композиция и обработка света считались приоритетом. Действительно, освещенные складки синего платья наполняют сцену чувством безмятежности. В последующие годы Хайес написал несколько других версий «Поцелуя» (в том числе один для себя), но оригинал, который находится в Брере, имеет историческое значение.
Джузеппе Пеллицза из Вольпедо, Четвертое сословие (1898-1902) в музее Новеченто
Эта картина является веским примером Социального Реализма на рубеже веков и знаменует социально-экономические и политические разногласия, которые затронули Италию в те годы: последствия унификации, индустриализации и, как следствие, борьбы как городских, так и сельских рабочих классов. Четвертое сословие - это термин, который относится к непризнанной социальной или политической силе, и это то, что вы видите на картине. Субъект - это общественный протест рабочего (предположительно) в Волпедо, Пьемонт, где возник художник. Пеллицца отдает дань уважения благородному и сильному пролетариату, масса людей, мирно продвигающихся вперед. Земляная цветовая палитра коричневых, серых и зеленых цветов признает нищету людей, но они освещены светом. Четвертое сословие является кульминацией длительного периода изучения художником темы прав трудящихся и социальных реформ. Сила и присутствие этого финального шедевра усиливается масштабом холста, который является монументальным размером 283 x 500 сантиметров (9, 2 x 16, 4 фута). Подробнее о значении этой работы читайте здесь.
Umberto Boccioni, Эластичность (1912) в Museo Novecento
Футуризм, в котором Умберто Боччиони сыграл важную роль, был задуман как сила как художественных, так и политических инноваций. Это было не просто обновление художественной формы, а миссия культурного и социального омоложения. Футуристическая идеология родилась из-за недовольства в последние десятилетия XIX века, когда Италия отстала от имперской схватки и «современного» развития Европы. В манифесте группы 1910 года, совместно написанном Бокчиони, было сказано: «В глазах других стран Италия по-прежнему является землей мертвых, обширной Помпеи, с грохотом. Но Италия возрождается. Его политическое возрождение будет сопровождаться культурным возрождением ». Эластичность Boccioni дает живописную форму этому непоколебимому чувству. Работа - это дань индустриальной модернизации - в будущем влечет за собой мышечную лошадь, на горизонте появляются заводы, а металлические дымоходы возникают из-за дыма. Боччиони заимствовал кубистские самолеты Сезанна и Брака, чтобы передать движение и состояние потока. В эластичности красочные геометрические формы создают увлекательный динамизм. Наряду с крупномасштабной бронзовой скульптурой « Уникальные формы непрерывности и пространства» (1913 г.), также в коллекции в Museo Novecento, Elasticity является одной из самых важных работ Boccioni и ее нельзя упускать.
Постоянная коллекция итальянского дизайна в музее дизайна Триеннале
В городе, столь синонимом дизайна, было бы неправильно не воздавать должное многим дизайнерским шедеврам Италии. Музей дизайна в современном арт-пространстве Милан Триеннале располагает постоянной коллекцией итальянского дизайна. Эта сборка знаковых объектов (таких как 1950 Galletto 160 CC motorbike к лампе Artemide 1967 года) является свидетельством инноваций и таланта творческих умов нации, а также картирования культурных и промышленных изменений в стране.