С исторически патриархальной сценой искусства художники-женщины всегда боролись за признание на Ближнем Востоке. Несмотря на это, в регионе есть богатый контингент женщин-художников, которые способствовали росту, развитию и эволюции культурного ландшафта. Мы представляем трех самых влиятельных женщин-художников на Ближнем Востоке, каждый из которых вдохновил поколения и оставил значительный след на международной арт-сцене.
Мона Хатум
Мона Хатум - британский художник из палестинского происхождения, он учился в Бейрутском университетском колледже, Школе искусств им. Бема Шоу и Шредельной школе Слэда в Лондоне.
С 1980-х годов Хатум обнял висцеральную производительность и видеохудожественную практику, ориентированную на телесные, постепенно приближаясь к крупным объектам, установленным в 1990-х годах. В 1995 году она была номинирована на престижную премию Тернера, а в 2008 году была удостоена премии Рольфа Шока за ее художественное мастерство.
Хатум превращает якобы мирские, знакомые предметы и банальные инструменты, такие как кухонная утварь и другие предметы домашнего обихода, в опасные и опасные представления современного общества. Ее установки направлены на дестабилизацию восприятия зрителя реальностью, привлечение аудитории, выявление противоречивых эмоций - как правило, желание против отвращения и страха по сравнению с увлечением.
Человеческое тело оказывается деформированным и поверхностно незнакомым, но остается странно узнаваемым висцерально. Так обстоит дело с Corps étranger (1994) и Deep Throat (1999), в котором художник раскрывает внутренний ландшафт своего собственного тела через эндоскопическое путешествие. Некоторые из ее произведений, таких как Homebound (2000) и Sous Tension (1999), имеют домашнюю мебель с электрическими проводами, слышимо свисающими на заднем плане, почти юмористическое сочетание отстраненного сюрреализма с основными предложениями предстоящей гибели. В небольших работах, таких как Traffic (2004) и Twins (2006), она охватывает спасенные материалы с предметами, которые вызывают ее личное чувство ностальгии, связывая зрителя с художником на более интимном, эмоциональном уровне.
В своей установке 2009 года Impenetrable, в Соломоне Р. Гуггенхайме, Хатум использовал стальные и нейлоновые мононити для создания эфирной установки, которая, по-видимому, плавает в воздухе. При ближайшем рассмотрении работа показывает свою истинную природу, становясь угрожающей по каждому из ее отдельных элементов: колючие проволоки свисают с рыболовной проволоки, устроенной в идеальной, строгой геометрической форме куба, вызывая архитектурные структуры тюрем, ячеек и заборов, Хотя есть проблеск света, приостановленного в пустоте, эта установка вызывает сильные эмоции угнетения, страха и клаустрофобии. Обращаясь к насилию, конфликтам и проблемам обеспечения официальной власти, это пример работы Хатума, которая опирается на ее опыт в качестве палестинской ссылки.
Монир Фарманфармаян
Монир Фарманфармаян, несомненно, является одной из ведущих женщин-женщин Ирана. Проведя большую часть своей жизни, двигаясь между ее родным Ираном и Соединенными Штатами, влияние ее пятилетней художественной карьеры было глобально значимым. В практике Фарманфармаяна используются традиционные ближневосточные плотные геометрические узоры и мозаичные технологии изрезанного стекла, одновременно включающие западную модернистскую абстракцию.
Фарманфармаян получил образование на факультете изобразительного искусства в Тегеране, Школе дизайна Парсонса в Нью-Йорке и Корнельском университете. В то время как в Нью-Йорке она была частью арт-сцены авангарда и ассоциировалась с такими артистами, как Энди Уорхол, с которыми она неоднократно сотрудничала - Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Барнетт Ньюман и Джоан Митчелл.
Вернувшись в Иран в 1950-х годах, Фарманфармайан начал экспериментировать с зеркалом заднего вида и зеркальной мозаикой, разобрав эти методы в отношении суфийской символики и экспрессионизма. Увлечение Фарманфармайаном, а затем переосмысление традиционной зеркальной мозаики происходит от наблюдения за украшениями, которые украсили иранские святыни и дворцы с XVI века. Как она сама объясняет: «Около 1971 года я отправился в определенную святыню (в Иран), и я очень переживал, как зеркальные части отражали образы людей там - нищих, святых людей. Это было так красиво, так великолепно. Я плакал, как ребенок. К сожалению, во время Исламской революции, которая завершилась в 1979 году, большинство ее произведений были конфискованы, проданы или уничтожены.
Фарманфармаян бежал в Нью-Йорк в разгар революции и только вернулся в Тегеран в 2004 году, где она по-прежнему живет сегодня. Перед отъездом в Нью-Йорк она пожертвовала работу, озаглавленную « Световая пустыня», в юридический факультет Колумбийского университета в честь ее мужа, докторантов школы.
Flight of the Dolphin (2010), недавно приобретенный Метрополитен-музеем искусств (МЕТ) в Нью-Йорке, является идеальным примером сочетания традиционных методов Фарманфармаана с западным модернизмом. Головокружительная, калейдоскопическая поверхность, составленная из мельчайших зеркальных фрагментов, почти движется перед зрителем, создавая оптическую иллюзию трехмерной путаницы на двумерной плоскости.
Ее работа экспонировалась в важных учреждениях и гордится местами на значительных событиях во всем мире, включая Венецианскую биеннале и биеннале Шарджи, MoMA, Соломон Р. Гуггенхайм в Нью-Йорке и Музей Виктории и Альберта в Лондоне, среди прочих.
Saloua Raouda Choucair
Saloua Raouda Choucair - многопрофильный художник и пионер абстракции на Ближнем Востоке. Она работала практически в каждой среде, от живописи и рисования до экспериментальной скульптуры, архитектуры, текстиля и ювелирных изделий.
На нее оказали влияние разнообразные интересы, в том числе математика, наука, поэзия и исламское искусство, все из которых внесли свой вклад в новое и необычное чутье, которое Choucair внесла в свое искусство.
Профессионально действующий с 1940-х годов, Choucair не продавал работу в Ливане до 1960-х годов. Ее практика сплела традиционную исламскую художественную практику с западными направлениями модернизма и постмодернизма, адаптировав различные материалы и переосмыслив исламские методы дизайна.
Choucair начал рисовать в студиях ливанских художников Мустафа Фарруха и Омара Онси, а в 1948 году она переехала в Париж, чтобы учиться под руководством Фернанда Леже. В то время как во Франции она обнаружила, что она была чем-то вроде редкости, как независимая арабская женщина-художница, одна из первых на самом деле, которая выставлялась в Салоне des Réalités Nouvelles в 1950 году.
Choucair начал концентрироваться на оттачивании своих способностей как скульптор с начала 1960-х годов, а в 1963 году она была удостоена премии Национального совета по туризму за публичную скульптуру в Бейруте. Она известна особым использованием материалов в своих скульптурах, состоящая из различных элементов, которые могут быть собраны вместе или отделены друг от друга, как стихи традиционной арабской поэмы.
Как наука, так и суфийская философия внесли значительный вклад в развитие Choucair, что привело к художественным формам, которые предлагали почти бесконечные точки взаимодействия - между различными элементами самих себя и между собой и их окружением. В 2013 году Tate Modern провела первую международную ретроспективу художника с более чем 100 экспонируемыми экспонатами - от самых ранних картин до ее культовых скульптурных работ. В обзоре выставки критик Адриан Сирл заявляет, что «она сделала скульптуры, которые можно укладывать как кирпичи или позвонки, коробчатые формы, чьи различные части могут быть перегруппированы в новых конфигурациях, формы из полированной латуни, которые соединяются вместе, чтобы сделать столбцы, скульптуры, чьи части расщепляются сексуально и настойчиво толкаются. Вы можете потерять себя среди самолетов и пустот этих взаимосвязанных модульных скульптур, которые напоминают утопическую модернистскую архитектуру ».