Courtauld славится своей исключительной коллекцией импрессионистов и пост-импрессионистов, в том числе шедевры Ренуара, Сезанна и Мане. В галерее также представлены невероятные произведения из всей истории европейского искусства, от Боттичелли до Модильяни. Вот десять из непременных частей, которые вы видите.
«Бар в Фоли-Берже» - Эдуар Мане, 1882
Помимо того, что он был одним из лучших произведений Мане, «Бар в Folies-Bergère» также был последним крупным сюжетом, исполненным художником до его смерти в 1883 году. Он изображает хриплую сцену в печально известном парижском баре, который был известен смешанная клиентура модных соотечественников и членов демимонда, а именно проституток. Предметом пьесы является Сузон, настоящая балерина Фоли, хотя она позировала для Мане в своей студии. Картина завораживала критиков в течение многих лет из-за ее необычной перспективы (отражение Сузона кажется полностью отделенным от реальности) и способность Мане создавать атмосферу изоляции и меланхолии, несмотря на то, что на холсте действительно есть большая толпа. Когда картина была впервые показана, это вызвало скандал, поскольку позиция Сузона как «работающей женщины», смотрящая прямо на зрителя, считалась как тревожной, так и наводящей на размышления.
«Адам и Ева» - Лукас Кранах Старший, 1526
Преданный шедевр Кранаха изображает момент, когда Адам поддается искушению под Древом познания. Художника отмечали за его способность изображать человеческую плоть и животное, поэтому этот аллегорический предмет был идеальной возможностью для него продемонстрировать свои таланты. Кривые обнаженного тела Евы, похоже, светятся, словно освещенные умирающим светом, и ее знающая ухмылка уравновешивается условным выражением Адама. Огромный зверинец, который окружает пару, не просто отражает восхищения Эдемского сада, но и элементы христианства. Олень был известен как символ Христа Искупителя, а аист и цапля часто ассоциировались с нравственностью и чистотой. Более предварительные чтения включают в себя чувство двойственности между невиновными овцами, представляющими истинную веру и сердитый характер кабана.
'La Loge (The Box Box)', - Пьер-Огюст Ренуар, 1874
La Loge, или The Theatre Box, была увлекательной темой для импрессионистов, так как ночь на шоу была расценена как высота модного развлечения в течение этого периода. Не просто наслаждаясь выступлением, участники использовали бы возможность сплетничать и искать своих сверстников, рассматривая истинного «кто есть кто» в парижском обществе. Ренуар изображает пару в своем личном ящике в этой игре взглядов. Основное внимание уделяется гламурной женщине в ее сложном полосатом платье, закрывающей глаза зрителя и явно представляющей собой объект желания. Между тем, на заднем плане, ее спутник смотрит в толпу, ища другую тему с помощью своих оперных очков.
«Натюрморт с гипсовым купидом» - Пол Сезанн, 1895
Этот сложный натюрморт был первым Сезанном, купленным Самуэлем Куртаудом, после того как он открыл работу художника в Клубе изобразительных искусств Берлингтона. Это послужило воротами в невероятную коллекцию, которую он, в конечном счете, собрал, которая сейчас демонстрируется в галерее. Радикальная, искаженная перспектива, которую использовал художник, считается предшественником развития парижского авангарда и была одной из многих поздних работ, которые послужили источником вдохновения для Пикассо и других создающих кубистов. Сезанн классно посоветовал младшему художнику Эмили Бернарду «относиться к природе с точки зрения цилиндра, сферы и конуса», принцип, который четко виден в этой неортодоксальной композиции.
«Женская обнаженная» - Амедео Модильяни, c1916
Хотя он умер в возрасте 35 лет, Модильяни все еще оказал глубокое влияние на искусство своего времени. Он сплавил свои знания о египетской, африканской и океанической скульптуре с более классическими формами европейского искусства, создав новый тип авангардной обнаженной. Эта чувственная роспись противоречила моде для высококонцентрированных поверхностей и охватывала видимые, подчеркнутые метки щетки. Включение «явных» лобковых волос также было шокирующим дополнением в то время и даже привело к полицейским расследованиям по обвинениям в «непристойности».
«Nevermore» - Поль Гоген, 1897
В конце 1880-х годов Гоген покинул конкурирующие сферы парижского художественного мира и в конце концов поселился на Таити, где он поклялся сделать «дикое» искусство, которое превзошло статус-кво. Nevermore является ярким примером его новаторских набегов на символику, где мечты и психологические фантазии превалируют над реальностью. Этот эротически заряженный полотно показывает Пахуру - его таитянскую жену - лежащую на ее кровати, хотя выражение ее лица намекает на беспокойство. Прямая ссылка на ворона в сочетании с названием, записанным в левом углу холста, является, по-видимому, очевидной ссылкой на одноименное стихотворение Эдгара Аллана По. Однако Гоген отрицал связь между своей работой и «птицей дьявола».
«Автопортрет с перевязанным ухом» - Ван Гог, 1889
Этот портрет был написан вскоре после печально известного увечья Ван Гога, когда он отрезал часть своего уха после жестокого спора с Гогеном. В этой картине его голова все еще перевязана после его возвращения из больницы. Пустой холст загрунтован в фоновом режиме, намекая на то, что он хотел продолжить живопись как форму реабилитации. Невероятно яркая палитра Ван Гога была отчасти обусловлена поощрением Гогена, который предложил художнику свободно рисовать мир, когда он это видел. На него также влияли оттенки, найденные в японском гравюре - Ван Гог был горячим коллекционером. Справа от этой композиции он воспроизвел отпечаток горы Фудзи Сато Торакийо, хотя он взял на себя смелость переместить некоторые детали вокруг, чтобы включить свой собственный профиль.
«Портрет Маргарет Гейнсборо» - Томас Гейнсборо, c1779
Гейнсборо женились, когда они были подростками, задолго до того, как Томас утвердился как ведущий портретист. Он написал эту фотографию своей жены Маргарет, чтобы отметить свой 50-летний юбилей, и она наполнена чувством внутренней жизнеспособности, которая символизирует их прочную любовь. Она остается готовой, но жидкая малярная ткань наполняет прекрасное чувство движения, как будто она обратилась к своему мужу всего лишь мгновение назад. Художник был известен тем, что экспериментировал с разбавляющими красками, чтобы воспроизвести прозрачность, и эта работа - прекрасный пример его способности подражать тонким тканям, покрасневшей коже и человеческим волосам.
«Живопись 1937 года» - Бен Николсон, 1937
Хотя Николсон всегда экспериментировал с принципами абстракции, он не делал полного отхода от фигуры до конца 1930-х годов. Это было связано с значительным влиянием Барбары Хепворт - они вышли замуж через год после завершения этой картины - и несколько официальных визитов в студию Пита Мондриана в Париже. Эти длительные впечатления хорошо видны в этой геометрической композиции, где ритмический баланс света и цвета вытесняет любое желание подражать реальности. Это одна из нескольких картин, выпущенных в этом году, которые первыми сосредоточились на теории цвета, применяемой его голландским коллегой.
«Троица с святыми» - Боттичелли, 1491-4
Эта сложная сцена распятия Христа была заказана для Sant'Elisabetta delle Convertite, флорентийского монастыря для раскаявшихся проституток. Неудивительно, что Мэри Магдален занимает видное место в левой части композиции. Ее необычное снаряжение на самом деле состоит из ее собственных волос, окутывающих ее тело после периода в пустыне, прежде чем она нашла свою веру. Боттичелли, как один из самых востребованных художников итальянского Возрождения, часто использовал таланты своих учеников, чтобы завершить сложные пьесы. В этом случае толпа ангелов, которые примыкают к кресту, почти наверняка принадлежит его мастерской, а сам мастер создал изображение Святой Троицы.