Индийский субконтинент выпустил многочисленных художников международной известности, многие из которых привлекают миллионы на аукционе по всему миру. Некоторые из самых успешных и инновационных художников из Индии - женщины, и их разнообразная практика исследует широкий круг тем, от идентичности и памяти до политики, истории и современной культуры. Мы приглашаем вас десять самых известных современных женщин-индийских художников.
Шильпа Гупта
Рассматривая ряд тем от потребительской культуры к желанию, безопасности, религии, национализму и правам человека, междисциплинарная практика Шильпы Гупта использует интерактивное видео, фотографию, установку и искусство исполнения, часто полагаясь на участие аудитории. Функционируя как интерактивная видеоигра, ее серия видеопроекций под названием « Тень» (1, 2 и 3) включает симулированные тени зрителей, захваченные живой камерой. Тени проецируются на белый экран и взаимодействуют с другими тенями, созданными объектами, куклами, домами, птицами и другими фигурами, танцующими, прыгающими и идущими. Гупта является одним из молодых поколений индийских художников, чья работа отвечает на постколониальные социальные дебаты страны. Она часто размывает, повторно рисует и стирает геополитические границы, например, в 100 Hand-drawn Maps of India (2007-2008 гг.), Состоящую из рисованных карт зрителей из памяти или ее безымянной работы, изображающей желтую полицию Чтение флагов: «Здесь нет границы».
Бхарти Кер
Готовая к употреблению, традиционное индийское украшение на лбу - это центральное место в практике Бхарти Кера и предлагает амбивалентные значения, колеблющиеся между традициями и современностью. Кер процветает в создании искусства, изображающего неправильное толкование, заблуждения, конфликт, множественность и противоречие, изучение человеческой драмы и современной жизни. Бинди появляется в ее картинах, а также в ее скульптурных установках, бросая вызов роли женщин в традиционной стране и ссылаясь на ее традиционный духовный смысл «третьего глаза». Ее рекордный «Кожа» говорит на языке, который не является его собственным (2006), изображает мертвого или умирающего слоеного стекловолокна, покрытого блестящими связями. Ее работа также связана с аллегорическими сказками, фантастическими созданиями, волшебными зверями и мистическими монстрами, как это видно на других предметах на животных, таких как Misdemeanors. Отсутствие Assignable Cause (2007) - это копия сердца синего кита в натуральную величину, основанная на воображении художника, подчеркивает романтическую идею «большого сердца» и тайн, которые связывают сердце с понятиями любви, жизнь и смерть.
Зарина Хашми
Благодаря своей основной медицине и минимальной лексике, богатой ассоциациями, Зарина Хашми создает абстрактные работы, которые резонируют с ее жизненным опытом изгнания и изгнания, а также концепция дома - будь то личная, географическая, национальная, духовная или семейная. Ее созерцательное, поэтическое творчество включает в себя гравюры на дереве, гравюры, рисунки и отливки из бумажной массы. Ее ручные и каллиграфические линии являются объединяющим элементом в ее композициях. Язык является ключевым для художника. Письма из дома (2004) демонстрируют серию отпечатков на основе писем ее сестры Рани, которая живет в Пакистане. В интервью Tate видеозапись Зарина рассказывает, как получение этих писем помогло ей сохранить чувство идентичности. Рукописный урду покрыт картами и чертежами отдаленных домов и мест, несущих тени значительных моментов и впечатлений от мест, связанных с жизнью ее семьи.
Налини Малани
Концепция трансцендируемой границы лежит в основе практики Налини Малани, которая опирается на литературу, мифологию, историю и личную жизнь, чтобы создать искусство, имеющее отношение к культурам. Из рисунков на картины, проецируемую анимацию, теневую пьесу, видео и фильм художник сопоставляет традицию с элементами модерна для решения насущных вопросов, касающихся современного общества. Ее семья была затронута разделом 1947 года - темой, которая дорога Малани, как показано в « Воспоминании Тоба Тек Сингх» (1998), видео, вдохновленное рассказом Садата Хасана Манто того же названия. Малани использует символику смерти Бисена Сингха - психического пациента, который, отказываясь переехать в Индию во время Разделения, умирает в ничейной земле между двумя границами. Затем Малани исследует влияние раздела на жизнь людей, и она расширяет это исследование до результатов ядерных испытаний в Покране, Раджастхан. Интерес Малани к Кассандре заключается в ее убеждении, что у каждого из нас есть идеи и инстинкты. Ее выставка в 2014 году под названием « Cassandra's Gift в галерее искусств Vadehra» была посвящена тому, что человечество предвидит события будущего и действительно «слушает» то, что происходит вокруг них.
Рина Банерджи
Любовь к веществу, ткани и текстуре в сочетании с опытом жизни в сообществах смешанных культурных / расовых мест создают основу для поэтических мультимедийных работ Рины Банерджи. Она определяет свое творчество как исследование «конкретных колониальных моментов, которые изобретают место и самобытность, поскольку сложные диаспорные переживания переплетаются, а иногда и сюрреалистичны». Banerjee создает красочные сборки текстиля, предметов моды, колониальных предметов, мебели, таксидермий и органических материалов, полученных из магазинов нью-йоркского мусора и переконфигурированных в объекты, наполненные новым смыслом. Необычные материалы включают в себя таксидермированные аллигаторы, деревянные детские кроватки, рыбные кости, страусиные яйца, перья и антикварную мебель. Хотя гибридность ее произведений является отражением ее космополитического фона, визуальный язык, который она создает, уходит корнями в мифологию и сказки. Возьми меня, возьми меня.,, к Дворцу Любви (2003) - это установка, которая была показана в Musée Guimet в Париже в 2011 году. Составляя дискурс о ее происхождении и восточно-восточном взгляде на восток, он состоял из розового пластикового павильона, выполненного в форме Тадж-Махал призвал Индию взглянуть на розовые тонированные очки, характерные для колониального британского присутствия в Индии, - с центральной сборкой «экзотических» материалов.
Даянита Сингх
Создавая любопытные рассказы о повседневной жизни через фотографическую среду, Даянита Сингх дает визуальное выражение пейзажу, сопоставляющему воображение художника с реальным миром. Ее черно-белые фотографии представлены в инсталляции под названием « Музей», а также в ее любимом средстве: книге. Бумага имеет особое значение для Сингха. Художник изображает всех, от высшего класса до краев общества, давая широкоугольный взгляд на современную Индию. Мона Ахмед - постоянная фигура в своей работе; со времени их первой встречи в 1989 году в комиссии для лондонской «Таймс» - евнуха, живущего на кладбище в Старом Дели, двойного изгоя, отвергнутого ее семьей и сообществом евнухов. Сингхский образ Моны - это исследование тех, у кого есть фрагментарная идентичность, и отсутствие чувства принадлежности, которое является предметом книги « Моя Мона Монах Ахмед». Дом любви Сингха размывает линию между книгой фотографии и литературной фантастикой, с изображениями, сопровождаемыми поэзией и прозой, которые повествуют девять коротких рассказов. Портативные «музеи», такие как Музей Файла (2013) или Музей Шанса (2014), представляют собой большие деревянные конструкции, которые могут быть расположены в разных конфигурациях, вмещающих от 70 до 140 фотографий. Эта «фотоархива», как ее зовут Сингх, позволяет ей бесконечно отображать, редактировать и архивировать изображения.
Рина Саини Каллат
Reena Saini Kallat часто включает в себя более чем одну среду в одно произведение искусства. Произведение Каллата связано с нескончаемыми циклами природы и хрупкостью человеческого состояния, отражающими постоянные сдвиги между рождением, смертью и возрождением; строительство и разрушение, поражение и возрождение. Она часто работает с официально зарегистрированными или зарегистрированными именами людей, предметов или памятников, которые были потеряны или исчезли без следа. Периодическим мотивом в ее практике является штамп, символ контроля и бюрократического аппарата - «безликое государство», которое затушевывает и подтверждает идентичность. Каллат использует резиновые штампы с 2003 года, инвестируя свои работы с иронией. В Falling Fables она использовала марки с адресами отсутствующих памятников, охраняемых в рамках Археологической службы Индии, создавая формы разрушений в архитектуре, в результате чего внимание на состояние коллапса и перелома происходит из коллективной памяти, происходящей сегодня в Индии и во всем мире. В 2013 году она создала Untitled (Cobweb / Crossings), паутину на фасаде Музея баха Дадзи-лад в Мумбаи. Ее создание состояло из одной тонны резиновых штампов с прежними названиями улиц, окружающих музей, и подчеркивая утраченные истории. Ранее Каллат использовал мотив сети, чтобы заниматься проблемами миграции и теми, кто ее контролирует. В «Без названия (карта / рисунок)» сложная карта мира, выполненная с помощью электрических проводов и фитингов, прослеживает часто скрытые миграционные пути рабочих.
Хема Упадхай
С помощью фотографии и скульптурной установки Хема Уадхйай занимается понятиями личной идентичности, принадлежности, дислокации, ностальгии и пола, отражая современное состояние Мумбаи - мегаполис с его мультикультурализмом, вызванным миграционными движениями. Периодически автобиографическая работа включает в себя фотографии самой себя, как если бы она искала свое собственное место в городе, к которому она была вынуждена мигрировать со своей семьей во время Раздела. В своей первой персональной выставке « Sweet Sweat Memories» (2001) она представила работы, в которых говорилось о чувствах отчуждения и потери. В серии были представлены миниатюрные фотографии, наклеенные на картины, изображающие воздушные и подводные перспективы Мумбаи как непреодолимый новый город.
Sheela Gowda
Включая скульптуру, искусство монтажа и фотографию, демонстрирующую городскую и сельскую Индию, Sheela Gowda создает работы с использованием повседневных материалов, включая найденные и переработанные предметы и материалы, такие как коровье навоза, красный кумкум (куркума), ладан, человеческие волосы, золотые листы, церемониальные красители, и внутренние материалы, такие как волокна кокоса, иглы, нитки и шнур. Практика Говды в значительной степени опирается на свой процесс, который размывает границы между искусством и ремеслом, и ставит под сомнение роль женской субъективности в контексте религии, национализма и насилия, составляющих современную Индию. И «Скажи ему о моей боли» (2001) использовал более 100 метров спиральной нити, окрашенной красным кумкумом, подвешенной и драпированной по всему пространству, чтобы образовать трехмерный рисунок. В работе упоминается культура специй Индии и текстильная промышленность - традиционно часть пережитого женского опыта - подчеркнуть боль женской домашней жизни в патриархальном обществе.
Pushpamala N
Благодаря картине, изобразительному искусству и видеоискусству, Pushpamala N критикует индийский социально-культурный стереотип и редуктивную классификацию этнографической документации. В 1990-х годах, будучи скульптором, Пушпамала обратился к фотографии и художественному искусству, чтобы изучить ее интерес к рассказам. Используя элементы популярной культуры и традиций, она исследует понятия места, пола и истории. В ее знаковой выставке « Раскопки» были представлены сборники отброшенных бумаг и материалов, которые пытались взглянуть на современную историю как на археологический объект. «Фото-романсы» Пушпамалы рассматривают ее как тему в разных ролях, с изображениями, заимствованными из популярной культуры, мифологии и исторических ссылок, с юмористическим изучением сложностей современного общества Индии и городской жизни. Из рассказов о привидениях к сентиментальным романам и этнографическим портретам Пушпамала задает вопросы женственности, нации, родной, богатства и бедности, а также воображаемые города.