В то время как Запад начал признавать художественное мастерство, исходящее из Африки, многие затянувшиеся колониальные стереотипы продолжают представлять Африку как аристократическую и экзотическую, что особенно наносит ущерб африканской женщине. Сегодня многие женщины-африканские художники, которые жили и работали в диаспоре, бросают вызов этим вымышленным, гнетущим представлениям о своих различных африканских странах и их телах через свое искусство. Вот пять женщин-художников из диаспоры, о которых вы должны знать больше.
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu родился в Найроби, Кения, и проводил свою студенческую карьеру в Уэльсе в Cooper Union, прежде чем иммигрировать в Соединенные Штаты, где она получила свой MFA из Йельского университета. Сегодня она живет и работает в Нью-Йорке. С юного возраста Муту был разоблачен, как западный мир упростил Кению как безымянную часть большей Африки, состоящую из Сафари и традиционных «племен». Она рассматривает эту и другие постколониальные проблемы в своей работе, ее фотомонтажи являются наиболее известными. Они сочетают в себе краски, акрил и иногда блестит и жемчуг с изображениями, вырезанных из журналов путешествия, порнографии, авто журналы, реклама и формировать новые человеческие фигуры. Конечные изображения, такие как « Неисправленные маленькие непростительные иерархии» (2005) и «Невеста, женившаяся на верблюде» (2009), яркие и интенсивные, красивые, но также нервирующие. Исходные изображения имеют индивидуальные контексты и вызывают различные коннотации. Однако, когда они присоединились к Муту, они предстают перед колониальным наследием того, как Запад воспринимает африканский континент как «примитивный», а также его гиперсексуальную объективацию африканского женского тела. Красота и странность привлекают зрителя, в то время как детали - женщины, составленные из головок животных, диаграммы шейки матки, мотоциклов и обнаженных торсов модели-плейбоя - вызов и нарушают западное воображение, которое экзотизирует и олицетворяет африканскую культуру и тело.
Гада-Амер
Гада Амер родилась в Каире и получила ее MFA в живописи от Villa Arson EPIAR в 1989 году. Хотя Амер описывает себя в первую очередь как художник, ее работа охватывает и объединяет несколько сред. Наиболее заметно, что она использует вышивку и садоводство, труд, который обычно классифицируется как домашний и женский, и часто считается хобби, а не искусством. Соединяя принятую среду изобразительного искусства с этими «женскими действиями» вместе с ее часто эротическими изображениями женского тела, Амер бросает вызов понятиям женского и мужского, желания и любви. Она ставит под сомнение общественные ожидания чистой, девичьей фигуры, которая сталкивается с объективацией и сексализацией женского тела. В таких произведениях, как «Зверь» (2004) и « Узти», но «Ницца», она задает вопросы об отношениях нравственности и осуждении тела женщины. В И Зверь (2004) Амер изображает самоотверженную фигуру Белла и других принцесс Диснея, мастурбирующих, используя акрил и вышивку на холсте, которая призывает к освобождению фигур, ранее удерживаемых за их моральное поведение, которое выражено в их любви к мужчина - отсутствует сексуальное желание. Она делает их более человечными, давая девочкам более здоровые образцы для подражания.
Ато-Малинда
Малинда - художник-постановщик, выросший в Нидерландах, США и Кении. Хотя она выросла от своей нации, многие ее выступления работают в рамках кенийского или более широкого африканского контекста. Многие ее части смотрят на постколониальную политику внутри страны, такую как Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014 год), которая реагирует на незаконность гомосексуализма в Кении. В спектакле Малинда находится внутри черной кабинки, в которую может войти только один зритель, где она опирается на собранные истории о странниках в Найроби. Близость сохраняет конфиденциальность анонимных голосов, позволяя обсуждать тех, кто изначально насильно замолчал. Большая часть другой работы также сосредоточена на африканской странности, такой как ее выступление « Скорбящий живого человека» (2013), характерный для ее неблагополучного дома детства, а также говорит о более крупных темах гендерной производительности и сексуального насилия с использованием цвета, язык и внутренняя деятельность стали извращенными. В этих двух частях она выделяет местные голоса феминизма и сообщества ЛГБТ, давая платформу для этих историй, которые омрачены белым феминизмом Запада. То, как аудитория часто вынуждена взаимодействовать с художником, и пространство выступления физически связывает аудиторию с представленным человеческим опытом.
Лагерь Сокари Дуглас
Лагерь Сокари Дуглас - плодовитый нигерийский скульптор из Бугумы, который учился в Калифорнийском колледже искусств и ремесел в Окленде, Центральной школе искусств и дизайна и Королевском колледже искусств в Лондоне, где она в настоящее время проживает. Ее скульптуры часто изображают Калабари (город, из которого прибывает Лагерь Дуглас), маскарады, духи или жрицы. Изготовленные из стали и других найденных материалов, таких как банки, веревки и перья, соединяются и представляют собой ее корни на этих рисунках. Выступая перед международной аудиторией, скульптуры Дугласа Кампа работают, чтобы повторно осмыслить сакральную роль масок, участвующих в маскараде, которые часто отображаются изолированными в музеях. Ее работы конкретно говорят о Нигерии и Калабари. Как женщина, ей не разрешается когда-либо делать маскарад, поскольку это строго роль человека в обществе. Вырабатывая эти формы исполнения, Лагерь Дугласа участвует в маскараде на уровне, который лишен ее и других женщин. Кроме того, сварка обычно занимает положение мужчины-ремесленника. В двойственном смысле она постоянно оспаривала гендерные границы, навязанные ей традицией. В более крупном национальном масштабе Дуглас Камп обратился к убийству Кена Саро-Вивы правительством Нигерии. Незатухающий активист против Королевской голландской компании Shell и отсутствие правительственных правил в области охраны окружающей среды, Дуглас Камп рассматривал свою смерть как национальный позор и решил представить ее в своей работе Алагба в Лимбо (1998), в которой изображен маскарад Алагба позорно переносимые двумя мужчинами, чьи лица выражают агонию.
Aïda Muluneh
Aida Muluneh - фотограф и основатель DESTA (Развитие и обучение обществ через искусство) в Аддис-Абебе, некоммерческой организации, которая фокусируется на фотографических семинарах и выставках. Мулуне считает, что африканцы должны документировать и демонстрировать свои собственные реалии. Она родилась в Эфиопии, но провела свой отроческий период в таких местах, как Йемен, Англия, Кипр и Канада. За границей на нее влияли образы эфиопского голода, которые были повсеместно распространены на Западе. Когда она вернулась через 30 лет, она решила противостоять этим узким образам. Изображения Мулуне не являются ни мелодраматическими, ни отредактированными, чтобы быть живописными, как можно было бы увидеть в National Geographic. Вместо этого они представляют собой среднюю почву между этими двумя крайностями, изображая события, которые происходят в повседневной жизни, например, в Bread Offering и Coffee Shop, представляющие как традиционные, так и более современные сцены, которые являются лицами культуры. Ее фотография, Эфиопия: Прошлое / Вперед (2009) изображает более личное путешествие через Эфиопию, записывая повторное открытие Мулуне ее нации. Совсем недавно она участвовала в выставке «Божественная комедия: небеса, ад, чистилище, пересмотренная современными африканскими художниками», в которой ее работа менее откровенная и вместо этого сосредотачивается на модели, чье тело окрашено в белый цвет красными руками и ушами и черными точками нарисовала центр ее лица - но она все еще считает, что напряжение прошлого (традиция живописи тела в Африке) задерживается в настоящем и, возможно, застаивает будущее.