Музей Stedelijk в Амстердаме является домом для работ некоторых из самых известных художников XIX, XX и XXI веков. Хотя сам музей довольно мал, размер и качество его коллекции обязательно порадуют любителей современного искусства. Ниже приведены шесть искусств лучших экспонатов, чтобы не пропустить.
Выставка «Оазис Матисса»
Оазис Матисса, продлившийся до 16 августа, является самой большой выставкой работ французского художника, когда-либо собранных в Нидерландах. Коллекция прослеживает весь ход карьеры Матисса, от его ранних экспериментов с импрессионизмом к его пионерскому спорному фовизму движения, и его последующим вырезанным композициям. В то время как современники Матисса, возможно, были шокированы его стилем антипрезентации и его смелым использованием цветов, сегодня работа Матисса празднуется для чистой наивной вибрации, гармонии и хроматической свободы, которые объединяют его пейзажи, портреты, интерьеры и восточные ню. Кураторы решили объединить картины с собственной постоянной коллекцией музея Stedelijk, создав яркие сравнения между Матисом и художниками, оказавшими на него влияние, такими как Сезанн и Ван Гог, и теми, кого он вдохновил, в том числе Мондрианом и Ньюманом. Монументальная бумажная вырезка «Попугай» и «Русалка» (на фото выше) были проголосованы за любимую пьесу посетителей и не должны (и, вероятно, не могут) быть упущены.
Роберт Делоне - Формы Кругов, Солей, Люне 1912
Делоне снова увлекся любовью Матисса к ярким краскам, проведя почти академическую фиксацию с помощью хроматики. Делоне считал, что цвет - это все, что нужно для изобразительного выражения и структуры, и стремилось вернуть его в художественный аванс в ответ на более приглушенные композиции, сделанные его кубистскими современниками. Эта абстрактная живопись подпитывает воображение, захватывая сущность тепла солнечного света и прохлады ночи, используя только контрастные цвета, а закрученные формы придают живописи ощущение осязаемого динамизма и движения. Формы Circulaires можно оценить на чисто эстетическом уровне для его текучести и жизнеспособности, но для Делоне его работа заключалась в том, чтобы вызвать видение природы с цветом как ключом к восприятию.
Пит Мондриан-Композиция № III с красным, желтым и синим 1927
Если Делоне интересовался динамикой цветов и форм, Мондриан был заинтересован в создании чувства полного равновесия и гармонии с использованием основных цветов и прямых линий. Эта картина олицетворяет идеал стиля художника Стиля (Стиль), который надеялся породить новый утопический порядок чистоты, баланса и абсолютной простоты после разрушения Великой войны. Отвечая на хрупкость человечества, оказанного войной, Мондриан и его современники начали деконструировать искусство, так что все, что осталось, было универсальной и вечной стабильностью цветов и линий. В музее Stedelijk также есть множество других предметов искусства и дизайна Stijl, в том числе прототип здания Rietveld's de Stijl House, все из которых были основаны на платформе, где основные цвета и жесткая геометрия могут стимулировать трансцендентальное чувство.
Барнетт Ньюман-Катедра-1951
Как и Мондриан, Ньюмен связывал простые, основные цвета с понятиями о возвышенности и совершенстве. Искусство Ньюмена характеризуется интеллектуализмом, типичным для абстрактного экспрессионистического движения, частью которого он являлся наряду с Джексоном Поллоком и Марком Ротко (чья Untitled также демонстрируется в Stedelijk), в конце 1940-х и начале 1950-х годов. Неман утверждал, что искусство не может быть красивым после ужасов Второй мировой войны - это может быть только серьезным, возвышенным и связанным с чувством ужаса и пустоты, оставленной этой темной главой человечества. Cathedra - это пример окраски цветного поля: одна единственная, плоская область цвета без признаков метки художника. Зритель остается интроспективно взаимодействовать с работой, не занимаясь деталями и присутствием художника. Ньюмен хотел, чтобы зрители поняли идею бесконечности и признали свои собственные экзистенциальные тревоги, обозначенные линией, прорезающей цвет, которую Ньюмен определил как ужасающие реализации сознания.
Энди Уорхол-Бельвю II, 1963
В 1960-х годах Энди Уорхол начал нападение на то, что он видел в элитарных претензиях абстрактного экспрессионизма. Он хотел убрать искусство из своей интеллектуальной башни из слоновой кости и привести его в мир повседневности. Этот образ пациента в Bellevue Asylum, который совершил самоубийство, напечатал четырнадцать раз на холсте, неуклонно представляет смерть - не как нечто абстрактное или философское, а как неотъемлемый факт жизни. Процесс повторения товарного знака Уорхола представляет собой модернизацию современного человека ценности. По этой схеме Уорхол цинично показывает, как СМИ привели к десенситизации общественности и отдалили нас от сочувствия к предметам. Вместо того, чтобы рассматривать трагические обстоятельства, в которых умер этот пациент, Уорхол превращает нас в одержимых вуайеров этого образа смерти. Bellevue II - действительно тревожный и провокационный шедевр.
Nam June Paik-TV Buddha, 1974
Nam June Пайк установил скульптуру Будды 18 века, расположенную напротив камеры и экрана, как Уорхол, исследует взаимосвязь между славой, тщеславием и смыслом. Статуя Будды, казалось бы, глядя на себя на экране, намекает на всепоглощающее явление нарциссизма в эту эпоху телевидения, в которой ничто не осталось священным или нетронутым средствами массовой информации. Все, даже Будда, символ аскетической жизни, хотят быть замеченными. Установка игриво принимает эту идею дальше - под определенными углами камера захватывает посетителя и искажает перспективу, так что он или она, по-видимому, являются центральным фокусом на экране. Посетитель становится частью самого художественного произведения, и Пайк, кажется, бросает вызов нам не потворствовать нашему собственному чувству самооценки, пока мы наслаждаемся нашим мимолетным моментом телевизионной славы.