Фотография - популярная художественная среда в Австралии, где нет недостатка предметов, от прекрасного природного ландшафта до многокультурного населения. Современные художники используют камеру, чтобы изображать повседневную жизнь и ее преобразования, а также меняющиеся природные и социальные ландшафты. Из более традиционных применений среды для проверки своих границ и ограничений и скрещивания жанров эти 10 фотографов являются одними из лучших, работающих сегодня.
Жюстин Хамара
Жюстин Хамара (1971 г.) исследует и оспаривает границы фотографической среды, ретранслирует фотографическую портретность и ставит под сомнение современные представления о бытии. Ее трехмерные скульптурные и коллажные работы предлагают манипулирование реальностью, которая связана с понятиями самопрезентации в эпоху мгновенных, бесконечно генерирующих (пере) технологий производства. В ее творчестве используются тонко нарезанные фотографии и изображения одного предмета, снятого под разными углами. Шарик Erysicthon's Ball (2010) был вдохновлен греческим мифом Erysicthon, королем Фессалии, чтобы расспросить тщеславие современных обществ, очевидное в широко распространенной, самопоглощаемой деятельности по захвату нескольких образов самого себя и публикации их через различные каналы социальных сетей - пытаясь контролировать личное представление и увековечивать явления суеты. Во многих своих работах Хамара использует образы самой себя и своей семьи или друзей, что позволяет ей тесно сотрудничать с ее сюжетными портретами. В «Watch» я проскользнул сквозь эти тонкие листы (2011), ткань, напечатанная с изображениями самой себя и ее матери, сочетается с зеркалом, чтобы привлечь внимание к возможности людей, испытывающих несколько аспектов самих себя.
Билл Хенсон
Билл Хенсон (1955 г.) использует определенное время суток - сумерки - для захвата изображений пейзажей и подростковой молодежи, которые создают своего рода «современную мифологию». Условия освещения сумерек и методы недоэкспонирования и корректировки печати позволяют Хенсону достигать контрастов тени и светло-светло-коричневого цвета, которые сродни животным натюрмортов фламандских мастеров. Его творчество вызывает атмосферу трансцендентности и сверхъестественных событий, исследуя повторяющуюся тему дуальности. Его подданные изображаются в темноте и слабым светом, никогда не глядя прямо на объектив, частично скрытые для создания ауры тайны и существования вакханализма. Живописные, устоявшиеся столы Хенсона продолжают традиции романтической литературы и искусства 19 века и концепцию Возвышенности, в которой великолепие Природы провоцирует конфликтующие ощущения удивления, ужаса и страха. Размывая линии между реальностью и бессознательным, Хенсон переносит зрителя в параллельный размер, скрываясь за толстыми вуали тьмы и богато обвиняя ссылки на наше прошлое. Для художника ландшафты - это сильные элементы наших воспоминаний, и его интерес к захвату их в воспоминаниях, которые имеют способность переносить зрителя в вечный мир.
Трейси Моффатт
Кинорежиссер, видеохудожник и фотограф Трейси Моффатт (1960 г.р.) создает задумчивые работы, которые исследуют такие проблемы, как раса, травма детства и средства массовой информации, а также подчинение аборигенов, материнское господство, гендерные стереотипы и классовое разделение. Работы, выпущенные в 1980-х годах, включают « Некоторые ребята» (1986), серию черно-белых фотографий, которые она показала рядом с цветной фотографией «Звезда кино» (1985). В « Разочарованных снах» (1989) Моффат представил богатый, фрагментированный рассказ с наводящими на размышления образами насилия, гламурными и разочарованными мечтами. Ее интерес к властным отношениям проявляется в Scarred for Life (1994), набор литографий, сопоставляющих фотографии и текст, имитирующие макет и формат старых, выцветших страниц журнала Life. В сериале рассказывается о детстве и юности, как времена, насыщенные насилием, пренебрежением и психологическими потрясениями. В 1998 году Моффатт экспериментировал с новой средой, создав Лауданум, серию фотогравюра - или фотогравюры, - которые были сосредоточены на отношениях между женщиной и ее аборигенным слугой. Ее недавняя работа «Дух Пейзажи» (2013), демонстрируемая в QAGOMA в 2015 году, включает пять новых фотографических сериалов и фильма, изучающих духовность, память в ландшафте и сверхъестественное и предлагая медитацию о значении земли и место через личные и универсальные истории.
Патрик Фунт
В центре практики Патрика Паунда (1962 г.) лежит интерес к понятиям сбора и архива, которые позволяют ему создать своего рода «картографирование человеческой культуры». Проявляя взгляд на мир, который приравнивает его к головоломке, художник пытается пересоздать свои фрагменты один за другим, тщательно накапливая, классифицируя и классифицируя найденные фотографии и эфемеры. Практика фунта направлена на достижение недостижимого понимания благодаря бесконечной коллекции. Его коллажи и сборки найденных изображений и отброшенных объектов не являются случайными, скорее они функционируют как определения в словаре или как скомпилированные и построенные доказательства. Фунт определяет «абстрактные понятия, которые снимаются на пленке, но игнорируются общими материализующими портретами нематериальных. Например, «Портрет ветра» (2013) содержит большую коллекцию найденных портретов людей, «которые оказались на ветру», в то время как сериал «Сцена преступления» (2013) содержит фотографии, в которых испытуемые кажутся умершими - по правде говоря,, большинство из них спали. Тень фотографа - это серия фотографий, в которых тень фотографа снимается на пленке, а в «Missing Pound» удалены люди из открыток и фотографий с помощью Photoshop.
Лю Сяосянь
Первоначально из Китая Лю Xiaoxian (1963, Пекин) переехал в Австралию в 1990 году, после инцидента в Тяньаньмэнь. Его китайский опыт и его жизненный опыт как «усыновленного» австралийца играют важную роль в его художественной практике, в которой исследуются различия, а также общности между Востоком и Западом по таким вопросам, как культура, традиции, политика, религия, идентичность и гендер, Благодаря фотографии и скульптуре Лю анализирует знаковые или культурно значимые западные и восточные символы как выражение опыта мигрантов, сопоставляя их в своей работе. Его монументальный диптих « Наши боги» (2000), в коллекции Художественной галереи Нового Южного Уэльса, объединяет представления о страдающем Христе и смеющемся Будде. Эти два портрета сложнее совмещать друг с другом - с помощью монтажа и цифровых манипуляций - из 22 500 крошечных повторяющихся изображений другого, например, пикселей. В более ранней работе « Мои другие жизни» (1999) Лю использовал фотографии из своей обширной коллекции старинных австралийских семейных альбомов. Художник в цифровой форме вставил свое лицо в стереографические образы австралийских семей «рубежа веков». Лю пытается дать видимость часто забытой истории азиатских идентичностей в рамках строительства австралийской культуры, а также рассматривать понятия перемещения, миграции и самобытности.
Пэт Брассингтон
Работая в области фотографии и цифровых СМИ, Пэт Брассингтон (1942) рисует влияния сюрреализма, вникая в сверхъестественный и вызывающий эффект, который двусмысленность имеет на интерпретацию. Ее работа разворачивается в образы, которые превращаются как чернильные пятна теста Роршаха, открывая бесконечные возможности наших внутренних психологических состояний, связанных с повествованиями о сексе, памяти и личности. Мечтательные образы Брассингтона сочетают аналоговые и цифровые, прошлые и настоящие, создавая неоднозначную, порой абстрактную (сурную) реальность. В своей ранней работе она использовала черно-белый фильм для захвата поэтических, темных изображений обнаженных предметов возле дверных проемов и других работ. В 1990-е годы Брассингтон отклонился от более традиционной среды и начал применять цифровые манипуляции. Способность расчленять, деконструировать и перестраивать образы уступала ей безграничное воображение и позволила ей продолжить свой давний интерес к пространству между реальностью и фантазией. Художник использует найденные фотографии или существующие из своей личной коллекции, объединяя их с «чужими элементами». Тревожные образы рваных рот, как и Forget Your Perfect (2008), искаженные бедра и генитальные элементы - например, в ее серии In My Mother's House (1994) - всего лишь немногие из многочисленных, которые она произвела.
Пета Клэнси
Пета Клэнси (1970) исследует темы кратковременности, временности, изменчивости и телесных и субъективных пределов человеческого тела. Ее фотографическая практика отходит от двумерных ограничений, чтобы охватить расширенное поле фотографии, с такими вмешательствами, как пирсинг, смятие, сгибание и встраивание в воск, а также создание монтажных элементов, таких как This Skin I'm In (2002) - с изображениями, напечатанными на тканевых подушках. Удовлетворяя заботу о коже, смертности и старении, ее серия Она носит ее, как карта на ее коже (2005-2006), состоит из изображений женских глаз и губ, проколотых тонкой серебряной иглой, для создания кружевного эффекта, Клэнси говорит, что «Кожа не имеет корней, она легко удаляется, как бумага» (загрузка в формате PDF), а «поверхности кожи и фотография являются центральными» для ее работы. Реализация уязвимости и хрупкости человеческого тела и то, как он может так быстро измениться, лежит в основе другой серии, тонкой бумаги (2007), где бумага также является репрезентативной для человеческой кожи - художник не только проколовает ее, но и смявает его, словно представляя морщинистую кожу. В ожидании «Пыль к поселению» (2000-2005) фиксируется время и «минутные остатки нашей повседневной жизни» с изображениями следов и теней, оставленных объектами при удалении с их места. Увеличенные фрагменты пыли и мертвой кожи предполагают смертность и «пыль, из которой приходит тело и к которому оно вернется.
Трент Парк
Фотограф Magnum Трент Парке (1971 г.) вдохновлен его повседневным опытом работы и в первую очередь работает с уличной фотографией. В 2003 году Parke путешествовал почти на 90 000 км вокруг Австралии вместе со своей женой и другом фотографом Narelle Autio. Результатом стала серия «Минуты до полуночи», коллекция фотографий из путешествия, в которых встречается тревожный портрет австрийской столицы двадцать первого века, от истощенной глубины до хаотической жизни в отдаленных городах аборигенов. В 2007 году Парк приступил к внутреннему путешествию, чтобы исследовать свою собственную жизнь и прошлое, как он говорит, «раскопать мои собственные истории». В течение семи лет он работал над «Дневниками черной розы», которые были показаны в Художественной галерее Южной Австралии в 2015 году. Сериал начался, когда Парк размышлял о ночи, когда в 12 лет он стал свидетелем смерти его матери от астмы. С этого момента художник отключил все воспоминания о своем детстве, пока не столкнулся с проблемами и не начал создавать вокруг себя множество работ. Состоит из фотографий, писем и текстов, серия не только повествует о жизни и прошлом в Парке, но и ставит универсальные вопросы о нашем самом существовании. Из его ежедневного опыта и размышлений о жизни эта работа представляет собой медитацию на пути жизни и то, как настоящее, прошлое и будущее взаимосвязаны.
Петрина Хикс
Петрина Хикс (1972 г.) использует «соблазнительный и глянцевый язык» коммерческой фотографии - ее профессиональный опыт - заниматься проблемами красоты и совершенства, а также изучать способность фотографии создавать и коррумпировать процессы потребления и соблазнения. Ее образы показывают, казалось бы, безупречные предметы, сопоставляемые с «чужими», сверхъестественными элементами, которые смущают зрителя, указывая на напряжение между красотой и несовершенством. В «Шенае и Джейд» (2005) молодая модель держит в руке у себя в голове голова - маловероятное, необычное сочетание, которое сбрасывает портрет персидского стиля моды с баланса. Хикс часто исследует женскую идентичность, ссылаясь на мифологию и историю искусства, и связывает их с современной культурой изображения. Это видно из Хиппи и Змеи (2011), серии, состоящей из видео и крупномасштабных фотографий, которые тонко ссылались на Еву и змею в повторно представленном Райском саду. В Венере и Рождении Венеры она метко указывает на мифологическую богиню и другую женскую символику, а также вторит более современным представлениям о феминизме и сексуальном взгляде мужчин. (Загрузка в формате PDF) Другие работы ссылаются на симбиотические отношения между человеком и животными, такие как Lambswool или Baby Rosemary's Baby (2008).
Sonia Payes
Фотограф и новый медиа-художник Соня Пайес (1956 г.) в последние годы вернулись к сюрреализму, создавая преследующие многослойные образы, в которых элементы перевернуты, затушеваны и остаются невидимыми. Благодаря своей фотографической практике и ее новым мультимедийным анимациям и трехмерным установкам Payes исследует темы разрушения окружающей среды, апокалипсиса и обновления нашего будущего. Художник привлек внимание к своим фотографическим эссе на 60 австралийских художников в UNTITLED. Портреты австралийских художников, опубликованные Макмиллан в 2007 году. В 2012 году Payes провела резиденцию с Австралийским фондом искусства Китая в сельском Пекине, кульминацией которого стало производство серии Interzone, которая была показана в Fehily Contemporary в 2013 году. Во время ее пребывания в Пекине, Payes был погружен в суровые условия быстрого развития города в Китае - сельскохозяйственные угодья быстро заменялись карьерами и цементом. Художник был свидетелем значительных изменений не только в ландшафте и окружающей среде, но и в человеческих отношениях. Через свою серию Payes предоставила социальный комментарий, а также отразилась на новых взаимоотношениях человека и окружающей среды, вызванных обширной индустриализацией Китая. «Re-generation» (2014) исследовал практику Payes через множество работ, в том числе Earth Warriors и Ice Warriors, - представлял собой «путеводители», чтобы направить человечество в его стремлении найти новые решения для деградации, наносимой нашей окружающей среде. Другие серии иллюстрируют и размышляют об устойчивости человечества и его способности бесконечно меняться и адаптироваться к изменяемой среде Земли.