Современная художественная сцена Японии богата разнообразием, где живут новаторские художники, которые изменили ландшафт отрасли в глобальном масштабе. От движения Superflat от Takashi Murakami до польской вселенной Yayoi Kusama, к совместным и перформативным подходам к визуальным средствам массовой информации и футуристическому использованию технологий в искусстве, мы проецируем десять обязательных японских современных художников.
Чихо Аошима
Член художественной производственной компании Kaikai Kiki и движения Superflat (оба основаны легендарным японским художником Такаши Мураками), Chiho Aoshima известен своими фантастическими городскими поп-существами и пейзажами. Автодикат, который начал работать с графическим искусством на фабрике Мураками, Аошима создает сюрреалистические мечты, населенные призраками, демонами, молодыми женщинами и элементами природы. Ее работы обычно крупномасштабны и печатаются на бумаге с такими материалами, как кожа и пластик, для текстуры. В 2006 году Aoshima выпустила City Glow, Mountain Whisper (2006) на станции Gloucester Road в Лондоне в рамках Art on the Underground, где 17 последовательных арки для платформы создали волшебный пейзаж, который постепенно превращался из дня в ночь, от городского до сельского. В работе изображен утопический мир Аошимы, в котором время приостановлено, а органические существа - с другими неодушевленными вещами.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota - художник по исполнению и установке, который создает широкомасштабные визуальные установки для конкретных сайтов. Центральным для ее практики являются темы памяти и забвения, мечты и реальность, прошлое и настоящее, а также конфронтация тревоги. Ее самые знаменитые работы - непроницаемые сети черной нити, которые охватывают множество бытовых, личных и бытовых предметов, таких как старые стулья, сожженное фортепиано, свадебное платье, а иногда и сама художница. Лабиринт памяти (2012) состоит из серии платьев, охваченных вездесущей черной нитью, присутствующей во многих ее работах. Эти платья рассматриваются как «вторая кожа», как литье, так и сужение тела. Вездесущность черной пряжи предназначена для описания и обеспечения соблюдения этой точной взаимосвязи. Летом 2014 года Shiota установила « Перспективы» (2004), в которой было сделано более 300 пожертвованных ботинок, сопровождаемых рукописными заметками от каждого донора, доверяя одну личную память. Затем Шиота соединил туфли с ниткой красной пряжи, каждая из которых была подвешена из того же крючка. Шиота представляла Японию на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году, и ее первая выставка в Блейн-юг, Берлин, которая открылась во время Берлинской художественной недели в 2016 году, вызвала сенсацию.
Эй Аракава
Эй Аракава вдохновлен состояниями перемен, периодами нестабильности, счастливыми несчастными случаями и элементами риска. Его выступления и инсталляции включают в себя темы коллективности, дружбы, одновременности и импровизации. Работа Аракавы почти всегда сотрудничает и связана с элементом социального зрелища искусства - от производства до разрушения. Его художественная чувствительность определяется перформативным, неопределенным, «везде, но нигде». Его работа всплывает в неожиданных местах на международном уровне, размножая совместные процессы. В 2013 году его работа была выставлена в «Камикадзе Лоджия» (Грузинский павильон) на Венецианской биеннале и в обзоре японского современного искусства под названием « Роппонги» в Музее искусств Мори. Его установка Hawaiian Presence (2014) была совместным проектом с нью-йоркской художницей Кариссой Родригес на биеннале Whitney в 2014 году. В Frieze London в 2014 году Аракава и его брат Тому - работающий дуэтом под названием «United Brothers» - представили работу, озаглавленную « The This Soup Taste Ambivalent»? в котором пара предложила посетителям суп, по общему мнению, с «радиоактивными» корнями дайкинов Фукусимы.
Коки Танака
«Художник года» Deutsche Bank в 2015 году, визуальный подход Коки Танаки исследует сообщество и общий опыт творчества и воображения, поощряя обмен между участниками, выступая за новые правила сотрудничества. Его установка на японском павильоне Венецианской биеннале 2013 года состояла из видео с объектами, превращающими павильон в платформу для художественного обмена. Видео и инсталляции Tanaka исследуют взаимосвязь между объектами и действиями, записывая простые жесты, выполненные с повседневными предметами, такими как нож, вырезающий овощи, пиво, налитое в стакан, и открытие зонтика. Ничего существенного не происходит в этих видео, но навязчивое повторение и внимание к мельчайшим деталям заставляют зрителя ценить мирское.
Марико Мори
Марико Мори создает мультимедийные работы в видео, фотографии, новых медиа и монтаже. Она выражает минималистское, футуристическое видение через гладкие, сюрреалистические формы. Повторяющейся темой в работе Мори является сопоставление восточной мифологии с западной культурой, как видно из ее цифровых изображений. Мори занял видное место с Wave UFO, который дебютировал в Kunsthaus Bregenz, Австрия в 2003 году. Впоследствии эта часть отправилась в Нью-Йорк и позже была включена в Венецианскую биеннале 2005 года. В 2010 году Мори основал Фонд Фау, образовательную и культурную некоммерческую организацию, через которую она посвятила серию своих собственных гармоничных, ориентированных на конкретные объекты постоянных художественных инсталляций в честь шести обитаемых континентов. Совсем недавно постоянная установка Фонда Фау под названием « Кольцо: одна с природой » была установлена над живописным водопадом в Висконде Мауа в Ресенде, недалеко от Рио-де-Жанейро.
Риоджи Икеда
Ryoji Ikeda - новый медиа-и звуковой художник, чья работа в основном связана со звуком в разных «сырых» состояниях - от синусоидальных звуков до шумов - с использованием частот на грани человеческого слуха. Его выступления и захватывающие инсталляции включают в себя звуки, созданные компьютером, которые визуально преобразуются в видеопроекции или цифровые шаблоны. Аудиовизуальная работа Икеды использует масштаб, свет, тень, объем, тень, электронные звуки и ритм для наводнения чувств. Известный тестовый образец Икеды (№ 5) состоит из пяти проекторов, которые освещают площадь около 28 метров в длину и восемь метров в ширину. Установка преобразует данные (текст, звуки, фотографии и фильмы) в штрих-код и двоичные паттерны нулей и единиц. В творчестве Икеды также есть ночные представления, такие как datamatics (ver.2.0), обновленная версия аудиовизуального концерта, который он представил в нескольких местах по всему миру с 2006 года, начиная с Zero1, Сан-Хосе, Калифорния, для ISEA 2006. Икеда исследует и применяет математические и научные методы для формирования музыки, времени и пространства, создавая гипнозные переживания. Он исследует звук и видение, деконструируя свои физические свойства, чтобы выявить сложные отношения, связанные с восприятием человека. В конечном счете, Икеда тестирует экстремальные потенциалы цифровых технологий, бросая вызов порогам восприятия.
Такаши Мураками
Такаши Мураками является одним из самых знаковых современных художников Японии. От картин до крупномасштабных скульптур и модного сотрудничества на работу Мураками влияют манга и аниме. Основатель движения Superflat и коллектив художника Kaikai Kiki, Мураками разработал и поддержал карьеры многих своих современников. Термин «superflat» описывает как эстетические характеристики японской художественной традиции, так и характер послевоенной японской культуры и общества. Традиция оставила наследие плоских двумерных изображений с акцентом на плоские плоскости цвета, которые были переработаны в современной культуре через мангу и аниме. Послевоенная Япония также испытала «сглаживание» различий в социальном классе и популярном вкусе. Собственная практика Мураками включает в себя переупаковывание элементов, которые обычно считаются «низкими» или субкультурными и представляют их на «высоких» арт-рынках моды и искусства. Его провокационный My Lonesome Cowboy (1998), проданный в Нью-Йорке Sotheby's за рекордные 15, 2 миллиона долларов в 2008 году. В дополнение к своим работам Мураками сотрудничал с Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.
Тацуо Миядзима
Tatsuo Miyajima - скульптор и художник-монтажник, чьи высокотехнологичные работы используют современные материалы, такие как электрические схемы, видео и компьютеры, ориентированные на использование гаджетов с 1980-х годов. Основные художественные концепции Миядзима вдохновляют гуманистические идеи и буддийские учения. Светодиодные счетчики в его установках непрерывно мигают в повторении от 1 до 9, символизируя путешествие от жизни к смерти, но избегая окончательности, которая представлена 0 и никогда не появляется в его работе. Его вездесущие цифры, представленные в сетках, башнях и схемах, выражают его интерес к идеям непрерывности, связи, вечности и потока времени и пространства. Совсем недавно работа Миядзима под названием « Стрела времени» (Unfinished Life) была продемонстрирована на инаугурационной выставке «Метро Брейер», « Незавершенные: мысли, видимые в Нью-Йорке».
Яйой Кусама
С поразительной карьерой, охватывающей семь десятилетий, Яой Кусама изучил сферы живописи, графики, коллажа, скульптуры, исполнения, кино, гравюры, установки и экологического искусства, а также литературы, моды и дизайна изделий. Кусама разработал очень своеобразный стиль польского точечного искусства, который с тех пор стал ее торговой маркой. Такие иллюзорные видения для Кусамы являются результатом галлюцинаций, которые она испытывала с детства, когда мир, кажется, покрыт разрастающимися формами. Кусама покрыл целые комнаты красочными точками и «бесконечными» зеркалами, которые бесконечно отражают красочные светлые формы.
Йошитомо Нара
Йошитомо Нара создает картины, скульптуры и рисунки, изображающие его подписи широко раскрытых детей и собак - субъектов, которые пытаются захватить детское чувство скуки и разочарования, а также вернуть яростную независимость, естественную для детей. Напоминаем традиционные книжные иллюстрации, его эстетика представляет собой беспокойную напряженность, частично под влиянием любви Нары к панк-року. Названия его работ являются свидетельством этого: от «Девушка с ножом на ее стороне» (1991) до « Безмолвное насилие» (1998), « Невротик к костям» (1999), « Нет ничего» (2000). В 2011 году в Музее общества Азии в Нью-Йорке состоялась его первая крупная персональная выставка под названием « Yoshitomo Nara: Nobody's Fool», включающая работу, охватывающую 20-летнюю карьеру художника. Работы на выставке были тесно связаны с чувствительностью молодежных субкультур по всему миру, фокусируясь на вопросах отчуждения и восстания, особенно в отношении рок-музыки и панк-музыки.