Под влиянием наследия абстрактной живописи Венесуэлы, Хайме Гили создает с резко южноамериканской точки зрения, адаптируя этот современный визуальный язык к современному контексту. Гили поддерживает утопическое видение искусства, которое проводит его предшественники, производя картины, которые изучают часть, часть дань и часть веры в социальную возможность искусства, как Федерико Роза обнаруживает.
Родившийся в Венесуэле в 1972 году, базирующийся в Лондоне художник Хайме Гили сочетает в себе трезвость геометрической абстракции с захватывающими динамическими формами, отмечая поверхность своих полос острыми осколками осколков яркого цвета. Его картины послужат венесуэльским модернистским тенденциям, которые произошли в то время, когда страна переживала беспрецедентный нефтяной бум, который чудесным образом укрепил свою экономику. Эти художники часто склонны к абстракции, вероятно, следуя традиции, начатой в 20-м веке, которая создала абстракцию как самый сложный язык, к которому могут стремиться искусства, часто синонимом прогресса и просветления. В этом смысле Гили рисует то, что традиционно считается языком прогресса и реконфигурирует его в эпоху, когда эти цели и идеалы в конечном итоге не смогли достичь обещанного. Это отражает конкретный случай Венесуэлы, где, несмотря на большие запасы нефти, политические потрясения и тревожное социальное неравенство мешают ему превратиться в полностью индустриализированное, современное общество; цели, которые в начале модернизма казались мечтой в пределах досягаемости.
По завершении целого ряда исследований, которые включают в себя магистр искусств Королевского колледжа искусств в Лондоне и степень доктора философии в Национальном департаменте Беллас в Барселоне, Гили поселился в оживленной, космополитической столице Англии. Здесь его работа собрала сравнение с различными модернистскими течениями абстракции начала 20-го века, такими как вихристы, футуристы, русские конструктивисты и оптическое искусство. Эти идеалистические движения все одинаково стремились показать динамизм современной жизни по форме и цвету, отстаивая наизусть наивную веру в то, что индустриальный век, пережитый Европой и Северной Америкой, стал началом новой золотой эры в истории человечества. Модернисты отвергли фигурацию, и особенно точное изображение ландшафтов и ню. Это было заменено применением геометрических форм, которые были сочтены более подходящими для их основы на научных достоверностях. Однако вместо того, чтобы вступить в новую эпоху просвещения, модернистская парадигма ухудшилась в две мировые войны, характеризующиеся механизированным геноцидом, глобальным колониализмом и появлением тоталитарных государств.
Гили играет на этих противоречиях в отношении идеала модерна. Повторение, структура и механизация в работе Гили функционируют как медитация на дилемму художественного «стиля» как фундаментальный детерминант ценности произведения искусства и основное предположение, что оно может привести к позитивным социальным изменениям. Решение об объявлении стиля как самореферентного комментария является принципиально постмодернистским аспектом его работы и дает его картинам чувство иронии и отчуждения. Гили, тем не менее, охватывает этот стиль как часть расследования, часть дань уважения и часть веры в возможности, которые остаются в искусстве как социальный институт.
В своей картине « Трикалину» (2006) становится очевидным, что модернистская абстракция, квинтэссенция феномена 20-го века, является основным источником дискурса Гили. Здесь шаблоны художника опираются на визуальные ощущения и восприятие пространства. Абстракция для Гили также является признаком национальной идентичности, поскольку он открыто ссылается на значки венесуэльского искусства, такие как Карлос Круз Диез и Алехандро Отеро, оба абстрактных художника. Трикалину состоит из прямых краев и геометрических форм и устраняет следы кисти художника. Сложные образцы, похоже, одновременно отражают и притягивают. Визуальная острота Гили очевидна, поскольку он способен вызывать запутывающую перегрузку фигур в привлекательный дизайн.
Темпоральность также является важным аспектом картин Гили. Художник часто помещает свои картины друг против друга в качестве опоры или привязывает их к стене вместо того, чтобы повесить их, очевидно, осознавая, что они не являются постоянными объектами в архитектуре. Тот факт, что капли и другие «несовершенства» иногда проявляются в работе Гили, предполагает осознанное признание его произведений как объектов, подчиненных универсальным законам. Это проиллюстрировано на его выставке « Лас-Трес-Калаверас», в которую входил монументальный триптих с таким же именем, как если бы он оставался там гравитационным шансом.
Благодаря этим исследованиям Гили быстро увидел необходимость расшириться за пределы своих полотен и активировать пространство вокруг столько же, сколько в его картинах. Это привнесло еще одно измерение в его работу, когда он начал заниматься более близкими отношениями с архитектурой. В 2009 году Гили было поручено разработать композицию, которая будет нарисована в структуре Bloomberg SPACE в Лондоне. Результатом является тщательное, живописное безумие цвета и острых краев, которые, кажется, взорвались и рухнули друг в друга.
В 2009 году Гили выиграл конкурс в Южном Портленде, чтобы спроектировать, что может быть самой большой картиной на земле. Для проекта его конструкции будут нарисованы на нескольких крупных масляных резервуарах, которые покрывают территорию настолько обширную (более 25 000 квадратных метров), что их можно увидеть на воздухе и на спутнике. Поскольку его картины станут частью крупного промышленного ориентира с таким глобальным спорным топливом, возможно, Гили стремится вернуть абстракцию на свое место в сложном мире и, в определенном смысле, искупить его, придерживаясь позитивных проектов по защите нашей окружающей среды, Гили хорошо известен за его уважение к венесуэльской абстракции 1950-х и 60-х годов, а также к последствиям искусства как социального обязательства. Кроме того, его участие в крупных, заказанных художественных проектах сделало его одним из выдающихся художников Южной Америки. Обвиненный утопическими идеалами, Гили сохраняет этот стиль как свежий и яркий, как это было в его начале, путем упрощения его языка до цвета, повторения и геометрических форм.
Фото любезности: Художественные работы Уитни, галерея Саатчи, журнал «Арт Пульс», Хайме Гили
Автор: Федерико Роза